Un esperimento riuscito tra le mura de LANARCHICO
L’arte diventa (sempre più) difficile. Soprattutto perchè è complicato, oggi, mettersi a disposizione delle proprie emozioni. Aprirsi alla scoperta di se stessi, magari davanti agli altri: bisogna ammettere che è un’azione sempre più lontana dalla quotidianità. L’arte, per molti, è solo una tecnica. Ma quel che abbiamo visto nei giorni scorsi dentro lo spazio creativo di LANARCHICO è la dimostrazione che le azioni abitudinarie possono essere infrante, anche inconsapevolmente: che ci si può aprire allo stupore in men che non si dica. All’interno delle celebrazioni per il capodanno cinese, nel corso della residenza artistica China-pop, abbiamo proposto a cinquanta ragazzi tra i 15 e i 16 anni – studenti delle Seconde C, F, G del Liceo Brunelleschi – di partecipare ad un laboratorio. Un esercizio per attraversare l’arte contemporanea come se fosse un territorio emotivo da esplorare. Li abbiamo messi alla prova con la produzione: pennellate, fantasia. Ma soprattutto abbiamo dato loro la libertà di essere per un’ora, una sola ora, “giornalisti” e “critici d’arte”, a spasso fra le decine di opere esposte e in trasformazione da parte degli artisti in residenza. E abbiamo raccolto i loro pensieri, il frutto di una gita dentro ciò che le immagini smuovono quando trovano occhi capaci di stupirsi. Era la mattina del 18 febbraio.
Sono entrati con la curiosità timida di chi pensa di “non capire” l’arte. Poi, qualcosa, è cambiato. Una scritta ironica che trasforma la NASA in “NASO” accende subito il sorriso: il gioco visivo diventa complicità, abbatte la distanza, dice ai ragazzi che l’arte può essere leggera, intelligente. Perfino divertente? È il primo passo: sentirsi autorizzati a guardare. Poco più avanti, sedie tutte diverse attorno a un tavolo e piume bianche adagiate nei vasi suggeriscono un ordine misterioso. I ragazzi percepiscono che nulla è casuale: ogni oggetto sembra rappresentare una persona, ogni differenza racconta un’identità. È il riflesso delle loro classi, dei gruppi di amici, delle solitudini silenziose. L’arte diventa uno specchio sociale dove riconoscersi.
Poi l’impatto emotivo più forte: gli orsacchiotti di Marco Biscardi (in questo caso nella veste di artista e non in quella di creatore del progetto Lanarchico). A prima vista sembrano teneri, familiari, rassicuranti come ricordi d’infanzia. Ma ai ragazzi basta avvicinarsi per avvertire il disagio: graffi, cuciture, occhi arrossati, espressioni vuote. E soprattutto quei soldi stretti tra i denti. I ragazzi colgono subito il contrasto psicologico: l’innocenza ferita, l’infanzia corrotta, la felicità comprata. Alcuni parlano di consumismo, altri di disuguaglianze, altri ancora di maschere sociali. Quegli orsi diventano persone: chi ostenta ricchezza, chi resta indietro, chi nasconde le proprie cicatrici dietro un’apparenza colorata. L’opera non si guarda soltanto: punge.
Un aspirapolvere trasformato in volto umano suscita inquietudine. Sembra un urlo muto, una mente intrappolata, un pensiero che gira in tondo senza via d’uscita. I ragazzi leggono paura, oppressione, perfino riferimenti politici. È la dimostrazione che un oggetto quotidiano può diventare metafora dell’ansia contemporanea: sentirsi inghiottiti da meccanismi più grandi di noi. Davanti alle candele che colano su griglie metalliche il tempo diventa materia viva. La cera scivola lenta come giorni che passano senza farsi notare. Qualcuno vede la vita sciogliersi, qualcun altro parla di ricordi che restano incastrati, altri ancora immaginano persone che resistono alla caduta aggrappandosi a speranze sottili. Psicologicamente, è il confronto con la paura più universale: il tempo che non possiamo fermare.
E poi ancora le città con i palazzi a forma di smartphone: visioni urbane dove la tecnologia sostituisce l’architettura reale. I ragazzi lo interpretano come un ritratto fedele della loro generazione. Non viviamo più i luoghi, ma gli schermi. Le relazioni passano attraverso vetri luminosi, le emozioni si comprimono in notifiche. È un paesaggio mentale prima ancora che urbano: solitudine connessa, presenza virtuale, assenza fisica.
Altre opere evocano malinconia, caos, rabbia. Figure immerse nella nebbia parlano di attese infinite e stati depressivi. Colori violenti e linee spezzate diventano esplosioni emotive. Divani provocatori strappano risate ma anche imbarazzo, costringendo a riflettere su etichette e giudizi sociali. Poltrone dipinte, oggetti sospesi, collage irregolari: tutto suggerisce identità frammentate, mondi interiori non lineari.
Molti ragazzi proiettano sé stessi nelle opere. Parlano di libertà nelle pennellate senza regole, riconoscono la pressione degli standard di bellezza, denunciano il cyberbullismo paragonandolo a colpi d’arma da fuoco digitali. L’arte diventa un linguaggio per nominare paure che spesso restano in silenzio. Nessun gergo tecnico, nessuna distanza accademica: solo emozioni trasformate in parole. Le opere non vengono spiegate, ma sentite. Ogni descrizione è un autoritratto nascosto, ogni critica rivela uno stato d’animo, ogni interpretazione è un modo per dire “io sono così”.
A LANARCHICO, l’arte contemporanea si è trasformata in un grande laboratorio psicologico collettivo. I ragazzi hanno scoperto che osservare significa ascoltarsi, che interpretare è un atto creativo, che dietro ogni immagine si nasconde una domanda personale. E alla fine il vero capolavoro non era appeso alle pareti, ma in sguardi diventati più attenti, nelle emozioni condivise, nella consapevolezza nuova di poter leggere il mondo — e se stessi — attraverso l’arte.
Di seguito alcuni dei report e delle critiche che hanno guidato la scrittura di questo report:
Quest’opera a prima vista si presenta come un opera allegra e giocosa, ci sono degli orsetti in stile cartone, alcuni con cappelli di natale e altri con altre decorazioni in testa. Però se guardiamo bene notiamo che questi orsacchiotti sono rovinati con graffi, toppe e cicatrici, alcuni hanno gli occhi rossi o anelli alle orecchie che li rendono meno dolci, quasi tutti gli orsetti hanno del denaro in bocca è come se l’artista volesse dire che ormai è tutto legato ai soldi e al consumismo, è un’opera che inizialmente ti attira anche per i suoi colori ma poi ti fa riflettere su temi più importanti.
Ylenia Beka
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Questa opera d’arte per me rappresenta un processo.
Ogni cosa ha bisogno del suo tempo e del suo percorso, solo piano piano si ottiene un risultato.
Serena Wu
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Quest’opera mi fa venire in mente che anche se hai tutti i colori dell’arcobaleno non per forza sei felice perché non sempre c’è un disegno da colorare per questo sprofondi nell’intenso nero per trovare un po’ di pace.
Perla Raponi
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L’autore ha voluto trasmettere malinconia. Un uomo che fuma avvolto nebbia è pittura condannata a un’attesa eterna.
Anano Berishvili
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L’artista ha modellato quest’opera mentre tentava di entrare all’accademia, ciò ha influenzato l’utilizzo dei materiale ed la conseguente tecnica. Infatti sia il non cuocerlo che l’impossibilità di proseguire con il calco sono state dettate dalle possibilità del momento. Difatti proprio quella mattina, per la mancata cottura, un piccolo pezzo di argilla era caduto ma Shen (l’artista) ha subito affermato che con altra argilla fresca avrebbe presto rimediato.
L’opera rappresentava un cavallo ed un uomo, l’artista ci ha infatti spiegato che la scelta degli abiti e dei disegni raffigurati sopra l’acrilico nero della base simboleggia la cultura cinese. Inoltre il soggetto volto e seduto in posizioni strane, il cavallo che sembra perdere il controllo ispirano il titolo: “Cosa vuoi?”. Spinge quindi lo spettatore a chiedersi cosa succede? Perché è seduto così? Cerca qualcosa?
Purtoppo abbiamo potuto osservare solamente una parte dell’opera, infatti codesta è affiancata originalmente da altre due di minore dimensione ed una base, raffiguranti altre due culture tra cui anche l’Europa.
L’ho trovata un’opera affascinante, la quale ti spinge a chiederti che significato abbia oltre che affascinarti al primo sguardo. Sicuramente l’insieme dei tre lavori sarebbe ancora più magnifico.
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L’opera rappresenta la facilità che le persone hanno di sparare senza una mira esatta attraverso l’uso della tecnologia, è facile premere il grilletto il problema diventa dopo con le sue conseguenze e così è come sui social. La gente si diverte a sparare odio sugli altri coetanei ma non sa che dietro lo schermo c’è qualcuno che prova sentimenti e che si potrebbe ferire.
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Questo mucchio di “neve” è pieno di snack, caffè e altre cose quotidiane, il che mi mostra la vita infantile dei bambini italiani. La pioggia manda ossa gialle e il vento. La primavera è finita e l’autunno è ancora più triste. Una volta che ho promesso di sdraiarmi nel mondo, non ho visto la neve e la mia testa è diventata bianca.
Lin Leonardo, Zhao Mirco
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Quest’opera mi esprime la libertà perchè le sue pennellate sono molto casuali, non seguono una regola, non ci sono le linee rette.
Valeria Mu
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Queste candele colorate, sciolte, contorte e colanti, come un’emozione fuori controllo, si sono solidificate sulla griglia metallica trasformandosi nei resti del tempo e del desiderio.
Sara Chen
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Quest’opera mi ha colpita molto per il forte contrasto tra la “femminilità” dell’attrice e il corpo che è stato messo, la scritta sotto “nuovi standard di bellezza Made in USA” fa pensare a come sia molto influenzata la bellezza moderna da standard ideati da persone esterne a quel mondo. Mi trasmette la libertà della donna di poter essere bella in mille modi diversi e non solo con il fisico stereotipato.
Margherita Sanesi
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Ritengo che quest’opera emani una forte vitalità, nonostante il suo aspetto apparentemente caotico. L’alternanza di toni caldi e freddi non solo mette in risalto le salde radici degli alberi nella terra, ma trasmette anche il loro ampio abbraccio al cielo.
Le Lin
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In un quadrato reticolato di ferro, 100×100, si apre la visione di Yuhao Yang. I materiali utilizzati sono il ferro, le candele e la carta.
L’opera è composta da tre strati di reticolato di ferro, sovrapposti in un gioco di profondità. Ogni strato, una dimensione diversa del tempo: un passato che non torna, un presente che sfuma e un futuro incerto.
Ogni minuto che passa è segnato dalla caduta della cera, un lento aspettare, un tributo a ciò che è stato e a ciò che sarà.
È una riflessione sul tempo e sull’esistenza. Invita ognuno di noi a fermarsi, a guardare, a sentire il peso della cera che si scioglie, come il tempo che scivola via, lasciando solo scie di ricordi.
Altea Karimkhan
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Questa è una opera fatta dai telefoni perché ora tutti siamo sempre al telefono.
L’opera sembra una sorta di domanda che ci fa pensare “in quale città viviamo ora”? Oggi trascorriamo più tempo all’interno delle interfacce digitali che tra le strade fisiche delle nostre città. Lo smartphone non è più uno strumento, ma l’ambiente stesso in cui si svolge la nostra vita sociale, lavorativa e affettiva.
“Non abitiamo più dei luoghi, ma delle connessioni.”
Sumaya
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Mi ha colpito subito l’opera nella prima stanza: un semplice lenzuolo davanti a un muro con l’umidità, con scritto “Se vuoi vedere l’umidità paga un euro”.
Un’idea ironica e geniale: non copriva solo una macchia, ma trasformava un difetto in qualcosa che ti fa riflettere. Mi ha ricordato che, anche nella vita, a volte basta cambiare sguardo per trasformare un limite in un’opportunità.
*Cos’è LANARCHICO
Si tratta di uno spazio di fronte allo skatepark di via Bonicoli: un ecosistema creativo in continuo movimento: “Un ponte tra la città di Prato in Toscana, il mondo dell’arte e le persone che lo attraversano. Negli anni è diventato un hub dove si producono opere, si condividono visioni, si costruiscono relazioni e si alimenta un dialogo costante con il territorio. Ad oggi, questo atelier è lo studio d’artista più visitato e frequentato in Italia. Un luogo vivo, aperto, imperfetto e autentico, come l’arte dovrebbe essere, dove convivono arte contemporanea, cultura indipendente, musica, talk, performance, mostre e momenti di aggregazione”. ( https://www.lanarchico.com/ )
